Due atti unici di Jean Genet
SPLENDID
traduzione Franco Quadri
con
Andrea Nicolini
Simone Ciampi
Laurence Mazzoni
Sebastian Morosini Gimelli
Michele Maccaroni
Domenico Macrì
Gianluigi Fogacci
Giovanni Longhin
musiche originali eseguite in scena di Andrea Nicolini
regia e progetto visivo di Gianluigi Fogacci

STRETTA SORVEGLIANZA
traduzione Franco Quadri
con
Giovanni Longhin
Michele Maccaroni
Gianluigi Fogacci
Andrea Nocolini
Regia e progetto visivo Alessandro Averone

Questo progetto nasce da alcune conversazioni con il maestro Peter Stein durante le fasi preparatorie di Richard II in cui sono stato coinvolto come attore. Dopo aver visto i miei lavori su Pirandello(“O di uno o di nessuno”) e Shakespeare(Cymbeline) affrontati con compagnie di giovani attori, il maestro ha ritenuto che io fossi in grado di condurre un laboratorio con gli attori da lui selezionati per l’allestimento di Richard ma che non avevano ruoli di primaria responsabilità e soprattutto visibilità, così importante ormai nel così detto mercato del lavoro. La componente esclusivamente maschile del gruppo ha ovviamente ristretto la scelta del testo e la proposta di Genet è arrivata dal maestro Stein, autore a suo tempo alla Schaubuhne di una memorabile messa in scena de “I negri” , che inizialmente mi ha suggerito “Stretta sorveglianza”, dopo vari incontri si è arrivati dietro mio suggerimento a “Splendid’s”che ha tra l’altro il numero di personaggi esattamente corrispondente al numero di attori della compagni e ha, non solo per questo motivo incontrato il favore del maestro. Dopo alcune letture con la compagnia, anche di altri testi, si è aggiunta la collaborazione di Alesandro Averone che si è proposto di lavorare su “ Stretta sorveglianza” e che ho accolto con gioia data la grande stima professionale che a lui mi lega. Dividendoci il tempo per le prove si è moltiplicato lo sforzo per la compagnia ma si è ampliata la visione sulla poetica dell’autore che viene così declinata con due stili completamente diversi di messa in scena, pur mantenendo le corrispondenze e le continuità tematiche presenti nelle due opere. Man mano che il lavoro cresceva e prendeva forma ci siamo trovati d’accordo che presentare i due testi in un’unica serata sarebbe stato giusto per garantire un’offerta singolare e articolata.
La banda della Rafale, o banda della raffica, che al settimo piano del Grand Holtel Splendid ha sequestrato e ucciso la figlia di un miliardario americano, si è formata in carcere, e in carcere tornerà dopo che l’assedio della polizia la costringerà ad una rocambolesca resa , ed è proprio il carcere la scena dove si svolge la torbida storia di tre galeotti e un secondino in “Stretta sorveglianza” Per quanto riguarda “Splendid’s”ciò che più mi ha colpito è la maestria del gioco teatrale che Genet mette in atto: in un clima da Vaudeville i personaggi, che uno dopo l’altro riempiono la scena, sembrano che siano preoccupati di recitare un ruolo e di voler essere coerenti con la loro auto rappresentazione , ma via via che la vicenda si dipana e il cerchio della polizia/società si stringe intorno a loro, il senso di pericolo e di morte aumenta ed esaspera le relazioni, che legano i componenti della banda spingendoli a tradirsi e a rinfacciarsi vecchie ruggini. Gli inganni, i travestimenti, La morale rovesciata, il gioco al massacro, la lotta per la leadership, i continui capovolgimenti di fronte( tutto il repertorio scenico caro a Genet insomma), sono le linee portanti del testo, e percorrerle con spregiudicata vitalità insieme alla compagnia è stata ed è la sfida che mi sono proposto. L’incontro con quest’autore, di cui ringrazio il maestro Stein , è stato a dir poco sorprendente( ma dovrei dire a questo punto scioccante). Non ho mai letto niente di così sconvolgente, sconveniente, violento, irriverente e scandaloso come le sue opere, soprattutto i romanzi , e non è un caso infatti che Genet si sia avvicinato alla letteratura quando era in carcere leggendo Dostoevskij. E se dovessi condensare in solo aggettivo il carattere della sua opera non me ne verrebbe uno più appropriato che virile, ed è proprio questa virilità che pulsa nelle sue opere che ho cercato di restituire, chiedendo agli attori uno sforzo interpretativo estremamente impegnativo e complesso , facendo emergere i paradossi e gli ingredienti da commedia attraverso la verità dei personaggi e non indugiando sulle modalità convenzionali della commedia e del vaudeville.
Gianluigi Fogacci

In “Stretta Sorveglianza” Genet ci porta dentro le quattro mura di una cella.
Tre carcerati. Un secondino.
Nessuna uscita, nessuna scelta. Soltanto la possibilità di sopravvivere aggrappandosi a ciò che ci rende vivi, che ci restituisce un senso attraverso i propri ricordi, le fantasie, i demoni mai affrontati che prendono la forma di chi ci sta vicino. Brandelli di verità e di vita che hanno un valore solo all’interno delle mura del carcere.
Tre vite giocano pericolosamente sul filo sottile della follia: giochi di ruolo e di potere, la disperata vitalità della provocazione, la vicinanza eccitante e perturbante della morte.
Ci siamo addentrati in questo testo cercando di dare una vivida concretezza ai legami contraddittori che uniscono e incatenano i personaggi costretti in una cella.
Tre corpi. Tre universi che si confrontano, si scontrano, si mischiano di volta in volta nel tentativo di restare vivi.

Alessandro Averone

Se dovessi descrivere al meglio le differenze tra UOMO e DONNA, direi che LA DONNA È UN GATTO e
L’UOMO È UN CANE.
Ad esempio il gatto, intanto, si lava. Parecchio. Se passa addosso cremine de saliva in continuazione, con più tenacia di uno stuccatore polacco. Il cane no. Il cane non si lava. Ogni tanto qualche bidet autogestito, ma quello non conta. Il cane si lava solo quando la comunità intorno glielo impone.
Apparteniamo a due specie diverse, c’è poco da fare.E da quando esistono i social la situazione si è complicata parecchio. Tra una Milf e un Alberto Angela il primo approccio che abbiamo è quello della foto profilo. Ormai non ci conosciamo più , ci ordiniamo online.
Chiacchiereremo di questo, di Principesse Disney e di Giapponese All You can eat, tentando di portare insieme fuori dal web la nostra vita, che è quella cosa che ci accade mentre siamo a testa basta sul telefono.
#Luccisanodicecose è uno show giovane e giovanile che mette sul palcoscenico tutti i suoi monologhi più apprezzati sui social (https://www.facebook.com/luccisanodicecose/ ). Ed Emiliano non sarà da solo perché è accompagnato da un musicista, Alessandro Lozzi, con il quale duetterà sulle note di famosissime canzoni riadattate per gli…esseri umani ai tempi del web!

di Gianni Guardigli.

Messo in scena ed interpretato da Carmen Panarello

Collaborazione al progetto Giampiero Cicciò.

La nostra Cleopatra è una donna di Rimini, proprietaria dell’Hotel del Lido che ha ereditato dal padre Tolomeo quando era ancora “un baretto”, rendendolo “grande e conosciuto”. Ai tavolini del caffè aveva già incontrato Munir, siriano e con lui intrecciato un legame d’amore. Munir, profondamente legato alla sua patria, non riuscirà purtroppo a non ritornarvi, sognandone un riscatto democratico. Ne segue una storia tormentata di attese e ripartite, tra “malelingue e risolini”, le amiche di sempre, ricordi e sogni, che è appunto il racconto del monologo, in cui “ la Cleo” si e ci interroga in un’ originale metrica condita di suoni romagnoli, appoggiandosi ai pochi elementi simbolici della scena che ritrova o forse porta con sé, sospesi nel tempo. Nel testo, in cui sono presenti alcuni echi dell’ “Antonio e Cleopatra” di William Shakespeare, la regina romagnola seguirà, anche se quasi velatamente, la fine tragica dell’imperatrice: ma qui lo spazio viene lasciato ad un paesaggio vincente che, circonda l’azione del monologo e, in parte, ci unisce tutti: il mare.

Gentile Pubblico,
premesso che
– è stato emanato il DPCM del 4 marzo 2020 art.1 comma 1 lett. B che dispone “Misure per il contrasto e il contenimento sull’intero territorio nazionale del diffondersi del virus COVID-19”
– che  all’art.1 di cui sopra, per continuare una moderata attività si prevede l’eccezione che consente “l’affollamento di persone condizionata al rispetto della distanza di sicurezza interpersonale di almeno un metro”;
– che tale eccezione per le attività teatrali è ritenuta di fatto inapplicabile dai teatri romani
Lo Spazio Diamante sospende le attività aggregative e le recite in cartellone dal 5 marzo al 3 aprile 2020.
Verranno a breve comunicate le date di recupero degli spettacoli sospesi. Onde evitare l’intasamento del botteghino, che sarà contestualmente chiuso al pubblico, ma operativo telefonicamente e via mail a botteghino@spaziodiamante.it, vi invitiamo a seguire gli aggiornamenti sul nostro sito e canali social.
Ci rivediamo presto a Teatro
La Direzione

di Heiner Muller
con Cristina Golotta e Roberto Negri
Regia Alessandro Marmorini

Produzione Officina Dinamo Fucina Creativa e Compagnia Teatrale Tiberio Fiorilli S.C.R.L

“Si possono citare dei brutti versi quando sono di un grande autore.” – Laclos, Le Relazioni Pericolose –

Heiner Muller venne definito il “massimo esponente del teatro vivente” dopo Samuel Beckett ed è sicuramente il più importante drammaturgo tedesco del XX Secolo assieme a Bertold Brecht. Tuttavia il suo scrivere un teatro “enigmatico e frammentario” e il suo sfacciato ragionamento sulla modernità attraverso la riscrittura di classici, ha reso assai complessa l’accettazione del suo lavoro di autore, i suoi testi vennero spesso censurati o proibiti in una Germania spaccata a metà e con un profondo senso di imminente catastrofe nucleare. Quartett è uno dei testi più celebri e controversi della produzione di Muller, uno dei padri di quello che oggi viene chiamato “teatro postmoderno” o “post-drammatico”. La sua complessa struttura testuale, pregna di riferimenti filosofico-letterari, e il suo profondo scavo nella perversione umana e scenica rende spesso gli allestimenti di tale testo simili a letture o teatro declamatorio, cosa che contribuisce a spostare Muller spesso nell’ambito del letterario più che del performativo. La sfida di questo progetto è proprio quella di rendere all’opera di Muller l’azione drammatica e teatrale che il suo autore, per il semplice fatto che scriveva prosa drammatica e non saggi filosofici, auspicava. L’evento, l’azione drammatica non è che non sia presente in Muller, è nascosta, striscia sotto i fiumi di parole a coprire il vuoto, ma c’è. Ed è lì lasciata a pulsare sotto le bruttezze e le mostruosità del nostro essere bestie spesso prive di poesia e assieme capaci di vertiginosi slanci del pensiero. Per questo Quartett può essere visto come il selvaggio ring dove due amanti perduti e annoiati possono evocare le loro più perverse fantasie in un duello di fioretto dell’immaginazione, un cruento gioco di ruolo dove entrambe le individualità tentano di sopraffare l’altra, di rendersi necessarie. L’utilizzo della riscrittura dei classici per indagare il suo tempo viene riproposto da Muller anche in Quartett, dove i due protagonisti, ricostruiscono attraverso un sadico gioco delle parti la storia de Le Relazioni Pericolose di Laclos. La trama che ne emerge diviene, oltre che il racconto delle vicende parigine dei due amanti, l’emblematica storia dei due sessi: un Adamo ed un Eva della moderna concezione dei rapporti tra i generi, due figure archetipiche confinate nel vuoto, che occupano il tempo e lo spazio esorcizzando ritualmente la loro condizione. Ma nulla può giungere a vero compimento in un’atmosfera sospesa e paradossalmente onirica. L’unica certezza alla fine risulta l’ineluttabilità del destino, e forse la consapevolezza che tutta la razza umana potrebbe essere solo il cancro del mondo.

“Tornare per non restare”

Ideato da Dino Lopardo
Con Dino Lopardo e Mario Russo
Musiche di Mario Russo
Scene di Andrea Cecchini e Dino Lopardo
Luci Giovanni Granatina Dimitri Tetta
Supervisione artistica Matteo Cirillo

L’emigrato è un naufrago in terra natìa. Quello che ha conosciuto lo rende estraneo. Quello che sa, e che gli altri non sanno, lo rende più solo.

Nóstos; Algía; Nostalgía; dolore del ritorno. Terra sotto le scarpe, ai lati del cuore e sulla punta delle ciglia. Sguardo lontano, pensiero a una zolla che per anni si è vissuta solo con la mente. Itaca portabile, alma mater sconquassata.

Trapanaterra è un’Odissea meridionale, una riflessione sul significato di «radice» per chi parte e per chi resta, un’ironica e rabbiosa trattazione dello sfruttamento di una terra.

“Chi sei? Dove vai? Da dove vieni? Cosa vai cercando? Quando te ne andrai?” Sembra dire il fratello che è restato a quello che è tornato, organetto alla mano, alla terra dei padri. Il più piccolo in calosce si districa tra i tubi gorgoglianti della raffineria. Il più grande quello che è “scappato”, è un bohemienne che respira di nuovo l’aria di casa, una casa che forse non c’è più, che è cambiata. Un Paese di musica e musicanti dove non si canta e non si balla più, nemmeno ai matrimoni. Si può solo sentire il rumore delle trivelle, la puzza dei gas e il malaffare.

Storie d’infanzia, ricordi di famiglia, canti di piazza e bestemmie: è l’ultra-locale che diventa ultra- universale.

Tutto è impastato nel dialetto, osso delle storie che s’insinua come la musica. Inutile arrabbiarsi, o forse no. Qualcuno è partito perché altri potessero crescere, perché la terra madre non ha i mezzi per alimentare le speranze di tutti. Ma di chi è il coraggio, di chi resta? O di chi torna?

 NOTE DI “REGIA”

“Se non dovessi tornare, sappiate che non sono mai partito.
 Il mio viaggiare è stato tutto un restare qua, dove non fui mai”.

Trapanaterra È una ricerca profonda sulla realtà del mezzogiorno intesa come un costante ossimoro; è un viaggio di rimpatrio, il resoconto di una famiglia del Sud distrutta da un destino ineluttabile. Lavoro, corruzione, potere, tradizione, familismo amorale, abbandono e identità culturale sono gli elementi che fanno continuamente staffetta nel testo.

Due i personaggi, fratelli che si incontrano e scontrano continuamente. C’è chi è partito alla ricerca di un futuro migliore e chi è costretto a rimanere. Il fatto di dover fuggire e il fatto di dover restare, sono sostanzialmente cause di una condizione.

“L’essere rimasto, non è atto di debolezza né atto di coraggio, è un dato di fatto, una condizione, ma anche l’esperienza dolorosa e autentica dell’essere sempre fuori posto”.

Sostanzialmente in entrambi i casi si parla di sacrificio, sia per chi parte, sia per chi resta.

La NOSTALGIA è l’elemento trainante. È stata considerata la malattia e la follia degli emigrati e quindi del loro mondo d’origine. La parola racchiude in sé due elementi: il primo è il suffisso algìa, che indica un dolore, una sofferenza, la parte che precede il suffisso descrive la causa di quel dolore. Corrado Alvaro descrive la nostalgia come “del ritorno di uno che non se n’è mai andato”. Quando un soggetto ritorna per riallacciare il rapporto con le sue radici e scopre un luogo che vessa nel degrado totale che cosa accade? Le persone a lui care sono completamente diverse, perché?

Eccomi giunto a un altro elemento fondamentale (arena di questa vicenda familiare): Il Sud maledetto e il caso ENI. Com’era prima questa regione e com’è poi diventata? Com’erano i rapporti tra persone che la abitavano? Si stava meglio oppure peggio?

I protagonisti sono due marionette, due vittime del “sistema” collocati in una dimensione insolita. In sostanza sono due esseri, “pupazzi” che parlano, si agitano, agiscono in modo insolito, inverosimile, ma più vero del vero; in un mondo quasi caricaturale come per sottolineare la brutale e grottesca verità. Il ligth motiv che lega i personaggi è la terra. Spesso, quando la tensione si fa alta, il personaggio del Ritornante stempera gli animi, rifugiandosi nel ricordo dell’infanzia. “La peculiarità del teatro di costruire un mondo parallelo aiuta i bambini a costruirsene uno proprio meglio vivibile di quello reale e spesso si va avanti per tutta la vita ad accarezzare questa prospettiva altra, meno gravosa della realtà”.

“Più che della mia terra, credo di aver beneficiato del mio habitat e cioè dei muri, dei soffitti, i suppellettili di casa mia. Ho certamente tratto vantaggio dalle vigne, dalle siepi, dai vicoli e dai ruscelli; li ho tenuti nel mio ventre”.
Dino Lopardo